（原文刊於 《Bazaar Art Hong Kong》 2017年 9號）

美國藝術史學家 James Elkins 在《Pictures and Tears: A History of People Who Have Cried in Front of Paintings》一書中，研究繪畫為何觸動人心，甚至令人流淚。他說：「若用心觀看，畫會不斷展現畫家創作時傾注的意識及情感。這種不能筆墨的情感可以覺醒觀者的意識，改變思考的溫度，甚至觸動人心令人落淚。」三位香港畫家被繪畫觸動，亦以畫打開觀者的心門。

等待（診所），黎清研，2013, oil on canvas, 85 x 70 cm

黎清妍：「我的畫是描繪人進入意識到自己的一刻。」

黎清妍（Firenze Lai）形容繪畫是一道門，一道直達一種人所共有的感知之門。「小時候繪畫就是用顏色的衝擊， 那是很物理性。人漸大，就進入專注畫一種『人的東西』，我相信那是具有普遍性。每個人也有其獨特之處。但我相信各人背後都有種相同的東西。這個人皆相同的東西就像一所房間，那房間是個抽象的東西，我的畫就像在找尋打開那房間的鑰匙。」她的畫大部份都有人，她的人都有種奇特的比例，也彷彿處於一種失神、恍惚的狀態，似是孤獨卻若有所想，於是很多人形容黎清妍的畫描繪人的內心世界。但能觸動人心的都不只於個人情感的描繪，黎清妍的畫既是人的內心，那是一個人所共有的柔軟點，在那裡人可以清晰地看到自己的各樣狀態，無論是快樂與哀傷。這種狀態就是她所指『人的東西』的房間，因此，她繪畫的內容是廣闊及具普遍性的。

大抵我們都有著相似的經驗：在擠迫的地鐵車廂中，嘗試用不同的方法免避跟身旁陌生乘客發生身體接觸；走在有不同顏色及圖案設計的地面，嘗試只走在相同的圖案上。這些人與空間的單純結合，人在其中因為跟其他事物的觸碰而意識到自己的存在，都是黎清妍喜歡留意的。她喜歡畫人「我的畫都是描繪人進入那個房間的觸發點。」尤其是當人在非常自覺的狀態。「我常在公共交通工具上看到人翹腳，兩重、三重地翹，看來很緊張，但緊張正正是非常覺醒個人存在的狀態。」她畫中的人都是極具份量，似乎確實的存在，一種看見自己的視點，所以畫中的人都有跟頭部不合比例的大腳，有的是背面，也有帶著狀態模糊的表情，看來似乎沉重。黎清妍說能夠直視自己的各種狀態，無論是快樂與哀傷，都是一種救贖。

在今屆威尼斯雙年展的主場展覽中，黎清妍是參展藝術家之一，她的畫作被放在 Pavilion of Joys and Fears 中展出。「每一個快樂在我身上，就會在隱隱地想到它第一層的時間性，快樂總有哀傷陪隨。」對畫家來說，每種情緒狀態不論好壞也會過去。她在意的是每個觸碰點，無論是情緒間轉變或者會身體與其他人事的物理觸碰點，她都想用畫筆記下來，於是她畫中有很多赤腳的人，以腳去切實地感受環境。「最不被為意是自己重量，我永遠都沒有辦法感受到自己有多重。我可以抱起別人而感受對方重量，但我無法抱起自己。然後我用雙腳跟這世界接觸，每一步，每一個觸碰點對在我也非常感動。」赤腳走路，地面的沙石會令雙腳不適，情緒的起伏也會讓人不自在，太舒適的狀態不易被察覺。談到舒適，黎清妍談到她在讀 Bruno Munari 的《Seeking Comfort In An Uncomfortable Chair》，椅子設計不舒適大抵都是因為跟身體有不尋常的觸碰，而她的畫大抵就是在不舒適中找尋舒適，一種令人醒覺的觸碰。「每一次快樂、哀傷都會提醒自己這是有時間性，每種感覺都會完。最大的掙扎如何將每種情緒之間的觸碰時間延長。我需要這些小安慰，將那個痛苦在某一點暫停。」這個中間延長，對黎清妍來說是最能夠意識都自己存在的時刻，也是一種救贖。「繪畫好辛苦，但我好享受。在工作室中不停地畫，那種專注狀態非常MEDITATIVE。不知道畫畫對我來就是甚麼，但我在畫裡面。」

The End(s) of the Affair(s), (a set of 33), Ho Sin Tung, 2015, Acrylic and colourpencil on wood, size variable.

何倩彤：「鉛筆及木顏色跟我內心狀態比較似。」

 愛閱讀、愛看電影，何倩彤的畫大都由小說文本，或是電影情節觸動而來。她畫作的風格跟她對文學的喜好，有著奇異的連繫。「我喜愛老實的書，不一定是作者有高潔的德行，或者受高度尊敬的作家。反而是那些血淋淋赤裸裸去道出事情，坦白地說故事最能打動我。」她口中老實的書，都不是一般的平淡甜美。卡爾維諾書中的不存在及不完美；大江健三郎筆下的存在苦難；卡繆談人存在的荒謬，就是她所指的坦白地說故事。〈三三不盡的情事〉是何倩彤坦白地以畫去談離別。格雷厄姆・格林的《愛情的盡頭》是一個感情離散的故事，退去文字，何倩彤用了三十三幅畫重繪格林的小說，是三十三個不同版本的書封。「那是一本有關一段感情失效離散的小說。我覺得那是很抽象的事情。用不同的設計、圖像及顏色，來呈現『分手』，『離別』與『遺憾』是怎樣的一回事。我重畫時把文字隱去，那就成了三十三張有關離別的圖畫。」

何倩彤覺得文字會有失效的時候，於是棄掉文字剩下圖案。她的畫總有種站在遠處的冷靜。在重繪小說中的情節、別人的故事時，也有自身經歷的投射，只是感情都埋在裡頭，沒有激盪迴腸。「所有關於文本的作品，都是非常感性及個人，因為涉及其他人，當中的『澎湃』沒有亦不能赤裸地說出來。」她在展覽〈日頭彌留〉中的藝術家自述中，何倩彤這樣寫道：「想見一個人，但那人已經不在。不論是死別還是生離，都日復一日地遙遠非常。今次繪畫的對象，有早逝的演員，有書本裡死去的人，有天災戰患裡罹難的眾人。曾經他們或者成為容器，承載過切身的喪失經驗，但今天他們不但替我命名那些不能宣之於口的名字，他們自己也成為哀悼本身。」借書中之名字，哀悼不能宣之於口的名字。作品中還有一封被粉碎了的情信，碎至沒有一個完整的字，把個人的經歷用文字淡化至最淡。就像馮內果的《第五號屠宰場》中的主角般，面對各種死亡都以一句「事情就是這樣」（So it goes）來回應，何倩彤在也有一張名為〈So It Goes〉的畫。表面淡然，卻不抽離，她一直在畫內。

也許最深刻的從來都不能輕言，唯有借別人的故事似有而無地細緻描畫。「其實我無辦法繪畫情緒表達式的作品，事情過了很久的才能動筆。有些畫家可以快速地畫去回應情緒，但我不懂這樣做。我作畫的速度很慢，因此愛『雕花』，用最細的筆去慢畫，這樣我一定趕不上情緒，只有積下來情感才出現在作品，或許因此我的畫感予人冷靜的感覺。」

我們的耳朵在哪裡，鄭婷婷，2017, 油畫布本，120 x 150 cm

鄭婷婷：「我喜歡畫是因為它被動，安靜地在展場被展視。」

 鄭婷婷總站在一個安靜的角度去觀察生活，然後用畫把所見記錄下來。「我想透過繪畫去記錄生活上的觸動，那些觸動不是感觸，是那刻能夠移動你情緒或感覺的事情，我想捕捉那刻移動。」2013 年於浸會大學視覺藝術學院畢業，做過半年全職工作後，都是過著兼職及創作生活，鄭婷婷取笑自己處於無生產狀態，因此她愛觀察其他無生產者的活動。「無生產性的感覺經常觸動我。如主婦、老人家又或者退休人士。他們如何消磨時間，如何讓時間進入一個磨蝕的系統。我畢業後有一段時間我喜愛看公園中的老人家，公園內有設施，他們在擰動身體腰姿，其實動作幅度很細微，不能稱為運動，只不稍微活動身體，這樣大半日便過去，時間對於他們來說是剩餘。」

她也看觀察細微的動作。她兼職教小朋友繪畫美術，學生中有小至兩歲的。他們那雙小手經常成為鄭婷婷眈眈的對象。「因為我很喜愛時間性，就是慢慢將時間消磨在一些摺紙、撕紙等為課堂準備的功夫。準備時會留意自己雙手，亦會想小朋友會否做到呢？因為他們的手很細小，手指粗粗胖胖的，他們可能不能捉緊物件，很簡單的動作如畫直線、撕紙等也未必做到，做到也速度也很慢。動作放慢時就會發現那些時間性，這個我很愛看。」在剛過去K11 Art Foundation 的〈參差〉個展中，好幾幅的作品都是從成年人俯視的角度，描繪學生上課時的情況，畫中的小手都是不合比例地肥大，好像畫家下筆時把所有的注視也放在小手上。

鄭婷婷在觀察旁人時，也在凝視時間流動。當時間在人的活動中被拉張、拖慢，沒有被打擾，時間一分一秒在慢慢流動。這種時間慢流讓她最感興趣，她的〈關於沙點的調查（上午五時）〉和〈關於沙點的調查（下午五時）〉就是以畫記錄時間。「畫就是生活中的一個儲存點，用電腦工作時也要不斷儲存。畫就是生活流動中的一個儲存點。」